Es el momento de darle a este blog el sentido que merece, fuera de supervisiones académicas y darle un enfoque personal donde seguiré colgando fotografías de mis obras y trabajos realizados, al igual que cualquier artículo o eventos relacionados con este hermoso mundo que nos inunda que es el arte.

Hoy muestro un par de dibujos de aspecto más ilustrativo, lo cual no había desarrollado en exceso. He recuperado mi gusto por las acuarelas; la superposición de manchas, colores vivos y apastelados sigue estando presente y por supuesto, el deseo de continuar explotando ese aspecto, al igual que la perfilación de los elementos en negro a la manera del grafismo.

Ambas han resultado expresiones de lecturas sobre mi misma en un intento de ordenar ciertas ideas. He de reconocer que no han tenido un gran estudio de fondo, ha sido algo más espontáneo, intenso y sentido, sin más miras que pequeñas pautas compositivas y temáticas, la soltura de muñeca hizo el resto.

"En la libertad de mi dormitorio suenan guitaras, huele a lavanda y sabe a uva. Se avecinan sombras y luces de llamas sinuosas que juegan al escondite. 
En el abismo de mi dormitorio, flotan como gérmenes las ideas, algunas nuevas otras solo de recuerdos. Renancen ilusiones acompañadas de ilusiones extrañadas. Agradezco a un supuesto autocontrol la capacidad de saborear, oler, escuchar estas cualidades sin que ahogue, sin que ahogue la esencia que me tiene aqui. 
En la soledad de mi dormitorio me acompaña mi sombra y mi estela, mi pincel y mi lápiz, mi tinta y su trastro. No se está solo si eliges bien tu compañía. No faltan más abrazos físicos que los que puedan estar en tu mente. No faltas más que tú, no más que yo. Nadie falta en esta habitación."


L. Dafne

Memoria explicativa para Pintura III; Primera obra (parte 2)

Finalizando la memoria del primer cuadro comento los últimos detalles aplicados a la obra. 
Revisé y traté de nuevo las sombras, especialmente las de la cara y el aura de color exterior a la figura escureciendolo para dar más contraste. Retoqué la figura que se alejaba por el camino, dando pequeñas veladuras trasparentes por la sensación de contraluz pero sin que quedara una mancha de color plano y sin movimiento o volumen aparente. 
Otro de los cambios fue el de eliminar la propuesta inicial de las grietas en la pared de la cueva, ya que las que realicé no resultaron de mi agrado y su ausencia mejoraba la composición antes que empeorarla.
Por último quedaba el circulo exterior de ramas y hojas que cerraban toda la composición y el encuadre de la obra.
Estos son los pasos de los cambios realizados y el resultado final:

Memoria explicativa para Pintura III; Segunda obra (parte1)

En este trabajo, al tener la opción de que fuera totalmente libre, quise realizar una obra sobre una persona en particular (poeta), lo cual la cargaría de significado y simbolismo.
La idea se trataba de un retrato pero no en el sentido convencional y tradicional; la figura de la persona estaría presente sin duda pero quería aportar datos que no resultasen evidentes. Desde un principio tuve claro que la presencia de las hojas con sus poemas asi que comencé con los bocetos y las posibles composiciones.

 De las tres posibles opciones, me decanté por la última, con una composición triangular y cumpliendo con la ley de los tercios. La posición de la figura con la cabeza hacia abajo dirige hacia las hojas que tiene bajo sus pies, tanto la cabeza como la posición de brazos y piernas cierran la composición, siendo concisa y clara.

Para este segundo proyecto quería trabajar en un formato mayor, asi que la elección fue tabla con bastidor de 60 figuras. La imprimación para la madera como base, ya llevaba pigmento verde como fondo uniforme sobre el que comenzar a trabajar.
Dividí el formato cumpliendo con las medidas y la composición previa para guiarme en el encuadre del dibujo. Una vez planteadas todas las líneas como guías, comencé a dar las primeras manchas de color para ir delimitando las zonas. La pintura sería acrílico y colores puros, con meras mezclas para algunas zonas.

Con las machas de color en la figura, empecé a trabajar el fondo. La riqueza principal de la obra quería que residiera en la potencia de color, espesor de la pintura, los trazos del pincel y arrastres con la espátula. Como he mencionado antes los colores eran puros con lo cual los "pegotes" de pintura eran más fácil de aplicar y los chorreones aparecían expontáneamente.
El hecho de que el fondo surgiera de esta manera, tiene influencia en el significado de la obra. Los colores variados y la explosión de formas venían a representar la inspiración del propio artista en su creación.

Al ir haciendo el fondo también repasé algunos detalles dentro de la figura, como es el caso del pelo, por ejemplo. Ya construido el fondo, cogí los poemas que fueron impresos en hoja de folio normal. Con cola blanca rebajada con agua, fui pegando las hojas según la colocación prevista anteriormente, quedando totalmente adheridos a la tabla pero con una cierta rugosidad que mejoraba este detalle de texturas.

Continué dandole a las hojas más capas de cola, pero esta vez con pequeños granos de café que disueltos daban un color particular y algo antiguo que mejoraba notablemente el aspecto de las hojas.

Una vez secas las hojas, fui delimitando cada hoja y la propia figura con un tono violeta a la par de las sombras en el fondo inferior y en los propios poemas en manchas desenfocadas para crear mayor profundidad.

Durante este proceso de acabado final, volví a pintar sobre la figura las arrugas de la ropa y revisando los juegos de luces y sombras. Era fascinante ver las fuerza que tomaba la obra en el momento en que las hojas fueron terminadas y el degradado del fondo resultó dar una combinación de equilibrio y unión propio de una obra compleja y bien estructurada desde su comienzo. Este fue el resultado final:

Memoria explicativa para Pintura III; Primera obra (parte1)

Dando paso a las dos obras definitivas, comenzaré analizando los pasos y el estudio realizado para el primer cuadro.

El cuadro sería realizado en tabla con bastidor de 100x81 cm imprimado y la técnica pictórica sería el óleo.

Este tenía que estar basado en alguno de los modelos de clase, no hubo problema al elegir la pose, ya que me había centrado en el estudio del chico sentado en un aspecto pensativo.
Siguiendo este simbolismo, me resultaba interesante la idea de crear diferentes atmósferas, la figura masculina reflexiva y melancólica ante la huida de alguien querido.

Con este planteamiento comencé a investigar las posibles composiciones y como sacarle más partido a la carga simbólica de la obra. La decisión fue clara, la “historia” se vería en tres niveles diferentes; en primer lugar todo sucedería dentro de un encuadre circular en forma de ramas y hojas que cerrarían la composición interna. En segundo nivel, la figura masculina aparece en la izquierda y por último en un tercer nivel, la cueva con una silueta humana perdiéndose a lo lejos.

 

Estos tres niveles de profundidad en la obra están relacionados y organizados entre sí cumpliendo con la ley compositiva de los tercios.

A nivel de ritmos y direcciones, la composición está totalmente estructurada y estudiada. El primer encuadre circular ya ayuda a que el espectador recorra con la vista todo lo representado en su interior, llevándote al chico que con su posición, dirección de la pierna y curvatura de la cadera, te sube por el camino hasta la silueta que desemboca en las grietas de la cueva, las cuales te dirigen a las ramas ovaladas del principio.

Comenzando con el estudio de la luz y las sombras, se detecta rápidamente que el foco de atención luminosa se encuentra en la cueva y esto repercute en la anatomía del hombre, dejando a su espalda un ambiente más lúgubre y siniestro. Es importante destacar como el estudio de la luz en esta obra carga aun más el significado viviente en ella.

A partir de aquí el estudio se la obra se centraría en el color y la pincelada. Me interesaba darle algunos rasgos impresionistas, ya que la potencia de colores varios en distintas pinceladas me resultaban enriquecedores para la obra.

Tengo que mencionar un contratiempo ocurrido en este paso. A pesar de meter diferentes tonalidades, a la vista el cuadro me resultaba demasiado pobre. Es cierto que personalmente me gusta jugar con contrastes para darle fuerza a las obras, pero este no debía ser el caso. Delimité ambas figuras humanas con una amplia pincelada del color complementario del fondo, en estos casos fueron rojo y naranja. Obviamente quedó totalmente desencajado de la idea e intención primaria. Decidí eliminarlo de inmediato. La solución fue fácil y con un resultado sorprendente. Con un pincel ancho bien húmedo desenfoqué esas líneas tan marcadas, para mi sorpresa obtuve el resultado deseado; los colores se fundieron a forma de veladuras dando la armonía y vitalidad cromática que extrañaba.

 

Actualmente le queda dar los últimos retoques y detalles más cuidadosos. El próximo día subiré una entrada con el acabado final de la obra. Espero que sea de vuestro agrado.

Estudio de líneas y manchas.

Presento el estudio de líneas y manchas de los modelos del natural. Técnicas grafito, lápiz de color y pastel.

Exposiciones

Hoy quiero hablar de las exposiciones vistas. Para empezar veamos las exposiciones actuales en en palacio de los Condes de Gabia, Granada. Se trata de los autores Paco Pomet y María Acuyo.
De la obra de Paco Pomet podemos decir que funciona con una primera intención realista con personajes infiltrados tales como Epi, Blas, el monstruo de las galletas, etc. A parte de una distorsión de la realidad oculta (chica con tres piernas, cabezas fuera de proporción,etc)
Trabaja con una pincelada espesa y unos fondos con gran carga de materia y arrastres horizontales. Viendo la exposición en conjunto se puede apreciar que la gran mayoría de las obras son grisallas en blancos, negros, azules, rosas y amarillos (me sugirió una similitud con los filtros fotográficos).

Refiriendonos ahora a María Acuyo, tengo que decir que, respecto al autor anterior, su obra es complentamente distinta. Para empezar esta autora trabaja un estilo de abstracción de formas orgánicas y un estilo parecido al collage. Utiliza una combinación tricolor de azul, rojo y ocre sobre un fondo uniforme, principalmente en negro. La pincelada es lisa y algo sobada aunque la sensación recrea texturas. La representación se basa principalmente en formas orgánicas y diría que tiene una base de diseño a parte de una composición esquisita.

También quiero nombrar las exposiciones de Art Jaén y de la facultad de Bellas Artes, Alonso Cano, con motivo del día de su patrón. Ambas exposiciones mostraron obras de arte contemporáneo actuales, de echo algunas obras fueron trasladadas y mostradas en ambas. Se pudieron disfrutar de obras pictóricas, escultóricas e instalaciones.