Memoria explicativa para Pintura III; Primera obra (parte1)

Dando paso a las dos obras definitivas, comenzaré analizando los pasos y el estudio realizado para el primer cuadro.

El cuadro sería realizado en tabla con bastidor de 100x81 cm imprimado y la técnica pictórica sería el óleo.

Este tenía que estar basado en alguno de los modelos de clase, no hubo problema al elegir la pose, ya que me había centrado en el estudio del chico sentado en un aspecto pensativo.
Siguiendo este simbolismo, me resultaba interesante la idea de crear diferentes atmósferas, la figura masculina reflexiva y melancólica ante la huida de alguien querido.

Con este planteamiento comencé a investigar las posibles composiciones y como sacarle más partido a la carga simbólica de la obra. La decisión fue clara, la “historia” se vería en tres niveles diferentes; en primer lugar todo sucedería dentro de un encuadre circular en forma de ramas y hojas que cerrarían la composición interna. En segundo nivel, la figura masculina aparece en la izquierda y por último en un tercer nivel, la cueva con una silueta humana perdiéndose a lo lejos.

 

Estos tres niveles de profundidad en la obra están relacionados y organizados entre sí cumpliendo con la ley compositiva de los tercios.

A nivel de ritmos y direcciones, la composición está totalmente estructurada y estudiada. El primer encuadre circular ya ayuda a que el espectador recorra con la vista todo lo representado en su interior, llevándote al chico que con su posición, dirección de la pierna y curvatura de la cadera, te sube por el camino hasta la silueta que desemboca en las grietas de la cueva, las cuales te dirigen a las ramas ovaladas del principio.

Comenzando con el estudio de la luz y las sombras, se detecta rápidamente que el foco de atención luminosa se encuentra en la cueva y esto repercute en la anatomía del hombre, dejando a su espalda un ambiente más lúgubre y siniestro. Es importante destacar como el estudio de la luz en esta obra carga aun más el significado viviente en ella.

A partir de aquí el estudio se la obra se centraría en el color y la pincelada. Me interesaba darle algunos rasgos impresionistas, ya que la potencia de colores varios en distintas pinceladas me resultaban enriquecedores para la obra.

Tengo que mencionar un contratiempo ocurrido en este paso. A pesar de meter diferentes tonalidades, a la vista el cuadro me resultaba demasiado pobre. Es cierto que personalmente me gusta jugar con contrastes para darle fuerza a las obras, pero este no debía ser el caso. Delimité ambas figuras humanas con una amplia pincelada del color complementario del fondo, en estos casos fueron rojo y naranja. Obviamente quedó totalmente desencajado de la idea e intención primaria. Decidí eliminarlo de inmediato. La solución fue fácil y con un resultado sorprendente. Con un pincel ancho bien húmedo desenfoqué esas líneas tan marcadas, para mi sorpresa obtuve el resultado deseado; los colores se fundieron a forma de veladuras dando la armonía y vitalidad cromática que extrañaba.

 

Actualmente le queda dar los últimos retoques y detalles más cuidadosos. El próximo día subiré una entrada con el acabado final de la obra. Espero que sea de vuestro agrado.

Estudio de líneas y manchas.

Presento el estudio de líneas y manchas de los modelos del natural. Técnicas grafito, lápiz de color y pastel.

Exposiciones

Hoy quiero hablar de las exposiciones vistas. Para empezar veamos las exposiciones actuales en en palacio de los Condes de Gabia, Granada. Se trata de los autores Paco Pomet y María Acuyo.
De la obra de Paco Pomet podemos decir que funciona con una primera intención realista con personajes infiltrados tales como Epi, Blas, el monstruo de las galletas, etc. A parte de una distorsión de la realidad oculta (chica con tres piernas, cabezas fuera de proporción,etc)
Trabaja con una pincelada espesa y unos fondos con gran carga de materia y arrastres horizontales. Viendo la exposición en conjunto se puede apreciar que la gran mayoría de las obras son grisallas en blancos, negros, azules, rosas y amarillos (me sugirió una similitud con los filtros fotográficos).

Refiriendonos ahora a María Acuyo, tengo que decir que, respecto al autor anterior, su obra es complentamente distinta. Para empezar esta autora trabaja un estilo de abstracción de formas orgánicas y un estilo parecido al collage. Utiliza una combinación tricolor de azul, rojo y ocre sobre un fondo uniforme, principalmente en negro. La pincelada es lisa y algo sobada aunque la sensación recrea texturas. La representación se basa principalmente en formas orgánicas y diría que tiene una base de diseño a parte de una composición esquisita.

También quiero nombrar las exposiciones de Art Jaén y de la facultad de Bellas Artes, Alonso Cano, con motivo del día de su patrón. Ambas exposiciones mostraron obras de arte contemporáneo actuales, de echo algunas obras fueron trasladadas y mostradas en ambas. Se pudieron disfrutar de obras pictóricas, escultóricas e instalaciones.

Quiero ir finalizando la muestra de trabajos anteriores e ir escribiendo nuevas entradas acerca de exposiciones, autores y en especial el estudio actual en la asignatura de Pintura III, sobre líneas, manchas, composición e ir estructurando una memoria de trabajo sobre las dos obras que se van a realizar.

Os muestro algunos de los trabajos del cuatrimestre pasado, basados principalmente en un estudio de los moledos del natural, técnicas temple y encáustica.

Temple acrílico sobre loneta.

Temple al huevo sobre lino.

Veladuras de óleo sobre temple al huevo. Arpillera.

Díptico, encáustica.

Tras haber hecho un repaso por mis trabajos antes de entrar en la universidad, hoy me centraré en los realizados en el primer curso, y algún que otro de mi tiempo libre. En las clases del primer cuatrimestre tuvimos una introducción a los colores en toda su gama, simbología, complementarios, etc. También empezamos a ver los conceptos de ritmo, peso, direcciones, composición, etc. Trabajamos principalmente con gouache y acuarela en diferentes formatos, realizando finalmente una serie de tres compuesta al gusto. Este fue mi proyecto final de primer cuatrimestre:

Gouche y acrílico. Forato individual 50x70 sobre cartón pluma.

Continuando con el curso, en el segundo semestre, bajo las enseñanzas de Jesús Bucero, trabajamos con óleo en tabla con bastidores, también en formatos diferentes, a elegir entre figura, paisaje y marina. En una primera parte del programa de la asignatura, aplicamos conceptos tales como texturas, textura visual, grafismo, grisalla y color. Destaco el trabajo del grafismo ya que fue en el que se obtuvo mejor resultado:

 

 

Óleo sobre tabla y carboncillo. 50x70cm.

La siguiente propuesta era una serie de tres obras, formato mínimo de 40 figuras. La petición era cumplir con un requisito en cada trabajo, el primero tenía que ser lo más figurativo posible, el segundo basado en un Ismo o "pintar a la manera de..." y un tercero totalmente libre, temática y técnica.
Podría hablar largo y tendido de este proyecto, por eso mismo está la memoria de trabajo que es algo extensa. Si a alguien le interesara leerla no hay más que ponerse en contacto conmigo y la enviaré con gusto.
Estan fueron las tres obras presentadas:

Bodegón realista.

Ismo según Van Gogh.

Grafismo. Trabajo libre.

Quiero añadir una obra más que realicé experimentando con la materia del óleo y los arrastres, bien como el grafismo visto anteriormente, pero con más densidad. La obra está basada en un personaje de una serie de televisión, Dexter, llevado a cabo como regalo a un amante de dicho personaje.

Siguiendo con el resumen publicado en la anterior entrada os pongo más fotografías de los trabajos realizados con José Gabucio, esta vez con ácrilico. También os muestro algunos dibujos que hice en mi paso por la escuela de arte de Jaén, José Nogué, en el bachillerato artístico.